Museu I Jardí D’Escultures De Hirshhorn

Pregunteu a un expert: quina diferència hi ha entre l'art modern i el postmodern? | Art i cultura

Totes les tendències es fan més clares amb el temps. Mirant l’art fins i tot fa 15 anys, es poden veure els patrons una mica millor, diu Melissa Ho, comissària assistent del Museu Hirshhorn. Hi ha tendències més grans i profundes que tenen a veure amb com vivim al món i com ho vivim.

Llavors, què és exactament l’art modern? La pregunta, segons ella, és menys contestable que infinitament discutible.

Tècnicament, diu Ho, l’art modern és l’expressió cultural del moment històric de la modernitat. Però es disputa la manera de desempaquetar aquesta afirmació. Una manera de definir l’art modern, o qualsevol cosa realment, és descriure allò que no és. La pintura i l’escultura acadèmica tradicional van dominar els segles XVII, XVIII i XIX. Es tractava d’una tècnica perfecta i perfecta i d’utilitzar aquesta tècnica perfecta i perfecta per executar temes molt consolidats, diu Ho. Hi havia una jerarquia de gèneres, des de pintures d’història fins a retrats passant per natures mortes i paisatges, i nocions molt estrictes de bellesa. Part del triomf del modernisme és tombar els valors acadèmics, diu ella.





En una certa reacció a l'art acadèmic tradicional, l'art modern tracta sobre l'expressió personal. Tot i que històricament no sempre va ser així, explica Ho, ara sembla gairebé natural que la manera de pensar de les obres d'art sigui una expressió d'una visió individual. El modernisme abasta una gran varietat d'artistes i tipus d'art. Però els valors darrere de les peces són gairebé els mateixos. Amb l'art modern, es posa aquest nou èmfasi en el valor de ser original i de fer quelcom innovador, diu Ho.

Edouard Manet i els impressionistes eren considerats moderns, en part, perquè representaven escenes de la vida moderna. La Revolució Industrial va portar multitud de persones a les ciutats i van sorgir noves formes d'oci a la vida urbana. Dins de les galeries de Hirshhorn, Ho assenyala les de Thomas Hart Benton Gent de Chilmark , una pintura d’una massa d’homes i dones enredades, que recorda lleugerament a un Miquel Àngel clàssic o al famós de Théodore Géricault Balsa de la Medusa , excepte que és una escena de platja contemporània, inspirada en la ciutat de Massachusetts on Benton va estiuejar. Seients laterals , un quadre d'un partit de boxa de George Bellows, penja a prop, igual que tres quadres d'Edward Hopper, un titulat Primera Orquestra de files de teatristes que esperen que s’estrenin les cortines.



són gossos i llops de la mateixa espècie

En l'art renaixentista, es va cobrar una gran prima en imitar la natura. Aleshores, un cop eliminat això, es deixa florir l’abstracció, diu Ho. Obres com les de Benton i Hopper són una combinació d’observació i invenció. Els cubistes, a principis de la dècada de 1900, van començar a jugar amb l’espai i la forma d’una manera que deformava la visió pictòrica tradicional.

Els historiadors de l’art solen utilitzar la paraula autònoma per descriure l’art modern. El vernacle seria 'art per l'art', explica Ho. No ha d’existir per cap altre valor d’utilitat que no sigui la seva pròpia raó existencial de ser. Per tant, avaluar l’art modern és una bèstia diferent. En lloc de preguntar-se, com es podria fer amb una pintura d’història, sobre la narrativa: qui és el personatge principal? I quina és l’acció? Avaluar un quadre, per exemple, de Piet Mondrian, es fa més sobre la composició. Ho tracta de la tensió compositiva, diu Ho, de l’equilibri formal entre el color i la línia i el volum d’una banda, però també només la seva extrema puresa i rigor.

Segons Ho, alguns diuen que el modernisme arriba al seu apogeu amb l’expressionisme abstracte a Amèrica durant l’era de la Segona Guerra Mundial. Cada artista del moviment va intentar expressar el seu geni i estil, sobretot a través del tacte. Així doncs, s’obté Jackson Pollock amb la seva pintura que goteja i llença, diu Ho. Obté Mark Rothko amb els seus camps de colors molt lluminosos i finament pintats. I, a diferència de les pinzellades invisibles de les pintures acadèmiques molt esmaltades, els traços de les pintures de Willem de Kooning són fluixos i de vegades gruixuts. Ho sentim, realment es pot sentir com es va fer.



Poc després de la Segona Guerra Mundial, però, les idees que condueixen l’art van començar a canviar de nou. El postmodernisme s’allunya del focus modern sobre l’originalitat i l’obra és deliberadament impersonal. Veieu molta feina que utilitza mitjans mecànics o quasi-mecànics o mitjans qualificats, diu Ho. Andy Warhol, per exemple, utilitza la pantalla de seda, en essència, eliminant el seu toc directe, i tria temes que es desvien de la idea de producció en massa. Mentre que artistes moderns com Mark Rothko i Barnett Newman van prendre decisions de color que estaven destinades a connectar emocionalment amb l’espectador, artistes postmoderns com Robert Rauschenberg introdueixen l’atzar en el procés. Rauschenburg, diu Ho, era conegut per comprar pintura a llaunes sense marcar a la ferreteria.

El postmodernisme s’associa a la deconstrucció de la idea: «Jo sóc el geni artístic i em necessiteu», diu Ho. Artistes com Sol LeWitt i Lawrence Weiner, amb obres al Hirshhorn, eviten encara més l’autoria. Peça de Weiner titulada UNA BOLA DE GOMA LLANCADA AL MAR, Cat. El número 146, per exemple, es mostra al museu amb lletres grans, de color blau i sense serif. Però Weiner estava obert a les set paraules que es reproduïen en qualsevol color, mida o tipus de lletra. Podríem haver agafat un retolador i haver-lo escrit a la paret, diu Ho. En altres paraules, Weiner considerava que el seu paper com a artista era més de concepció que de producció. Igualment, alguns dels dibuixos de LeWitt de finals dels anys seixanta són bàsicament dibuixos per instrucció. Proporciona instruccions però, en teoria, qualsevol pot executar-les. En aquesta generació de la postguerra, hi ha aquesta tendència, en certa manera, cap a la democratització de l’art, diu Ho. Igual que el dibuix de Sol LeWitt, és aquesta opinió que tothom pot fer art.

Etiquetes com ara modernes i postmodernes i que intenten precisar les dates d’inici i finalització de cada període, de vegades molesten als historiadors de l’art i als comissaris. He escoltat tot tipus de teories, diu Ho. Crec que la veritat és que la modernitat no va passar en una data determinada. Va ser aquesta transformació gradual que va passar al llarg d’un parell de centenars d’anys. Per descomptat, les dues vegades que, per raons pràctiques, cal fixar les dates, són quan s’imparteixen cursos d’història de l’art i s’organitzen museus. Segons l’experiència de Ho, l’art modern normalment comença al voltant de la dècada de 1860, mentre que el període postmodern arrela a finals dels anys cinquanta.

El terme contemporani no està unit a un període històric, com també ho són moderns i postmoderns, sinó que simplement descriu l'art del nostre moment. En aquest punt, però, les obres que es remunten al 1970 aproximadament es consideren sovint contemporànies. El problema inevitable d’això és que es crea un conjunt d’obres contemporànies en constant expansió, de les quals són responsables professors i comissaris. Només cal vigilar com van aquestes coses, aconsella Ho. Crec que es redefiniran.

es pot engolir per una balena




^